Olivier Devise

Horizons 2025 - “Arts-Nature” en Sancy

Olivier Devise — 2025-09-17T13:41:58Z

Le sommeil du géant — Cyrille André

Ce géant de roche endormi, est conçu à l'échelle du paysage et en résonance direct avec la légende local « Le bon géant qui aimait les fleurs ». Semblable à Atlas transformé en chaîne de montagne, ce géant est plongé dans un profond sommeil de pierre. Cette sculpture, conçue en s'inspirant des formes et de la texture des roches environnantes, est à la fois minérale et organique et s'intègre parfaitement au paysage naturel du massif du Sancy.
Le sommeil du géant est à la fois solide et ludique et offre, notamment aux enfants, la possibilité d'interagir avec lui. Ils peuvent grimper sur ce géant de pierre ou se blottir au creux de son ventre, créant ainsi une expérience immersive et poétique qui relie intimement les légendes du territoire, l'art, la nature et l'imaginaire.

Magic Bus, Le bonheur ne vaut que s'il est partagé — Ghyslain Bertholon

Magic Bus est un hommage à l'histoire vraie de Christopher McCandless rendue célèbre grâce au film « Into the Wild » de Sean Penn. Le concept de cette œuvre repose sur la relation que nous entretenons avec la nature qui nous entoure. De plus en plus « hors sol », la population humaine à majorité urbaine semble souvent déconnectée de ce qui constitue notre environnement naturel. Le rapport au reste du vivant devient abstrait pour nombre d'entre nous. Cette posture, souvent subie, nous conduit à minimiser, voire à ignorer, les signaux envoyés par une nature en détresse. Comment, dans ces conditions, défendre notre environnement naturel ?

« On protège ce qu'on aime, et on aime ce qu'on connaît » — Jacques Cousteau

Le projet Magic Bus propose de recréer, de manière allégorique, un lien entre les Humains et le reste de la nature en plaçant au cœur du sauvage une construction abandonnée pouvant servir de refuge aux promeneurs.
Cette épave, constituée à 100% de bois recyclé, se situe à la croisée des chemins : entre civilisation industrielle et habitat traditionnel. Elle vous accueille en son ventre pour recueillir vos émotions et votre poésie.

Branchée — Marianne Cardon et Aurélien Dupuis

Appât, clin d'œil clinquant et festif à tout ce qui brille et nous attire de la civilisation, Branchée est une œuvre multifacette.
Elle nous invite à nous arrêter et à prendre le temps de contempler la nature en posant sur elle un regard poétique et féerique. Cette branche, créature fantastique de lumière, suspendue dans les airs, projette ses milliers de petites taches virevoltantes et dansantes sur les arbres autour d'elle sous l'action des rayons du soleil et du souffle du vent.
Dans les bois, le familier laisse ainsi place au fabuleux, l'inanimé se met en mouvement et la magie opère en convoquant le merveilleux de nos contes et émotions d'enfance. Objet miroir par essence, l'oeuvre reflète autant qu'elle éclaire la nature autour d'elle, révélateur de toute sa beauté, et comme guidés par ses lumières amies, elle nous enjoint à nous aventurer plus loin dans les forêts enchantées de nos imaginaires.

Pavillon Kazan — Haomin Chang, alias Frogberry

Le pavillon Kazan 火⼭の茶屋 s'inspire du Massif du Sancy, où le volcan, symbole de destruction et de création, devient central. Il mêle l'esthétique et les principes de la Chaya japonaise à l'essence de ce territoire unique. La préparation du thé est une alchimie du feu et de l'eau, à l'image des volcans du Sancy, où les éléments fusionnent pour façonner la terre et l'espace.
Au Japon, archipel volcanique situé sur une ceinture sismique, la nature est vénérée pour sa puissance. En France, ces connexions sont moins évidentes. Ce projet met en lumière l'harmonie entre feu et eau, éléments sculptant la terre et les gestes du quotidien.
Face aux crises climatiques, nous devons apprécier et préserver notre planète. Le Japon, terre plus jeune que le Sancy, est marqué par des croyances animistes influençant son rapport à la nature. Inspiré par ces idées, l'artiste a conçu ce pavillon, à la fois maison de thé et observatoire. Ses formes évoquent la naissance de la terre, les sources nourricières, les collines sculptées par le temps et l'éclosion d'une nouvelle vie née du chaos.

Horizons Listeners — Gleb Dusavitskiy

« Horizons Listeners » est une installation artistique représentant deux créatures mythiques des montagnes qui se tiennent par la main et regardent vers l'horizon. Symbolisant l'unité, l'amour et l'exploration partagée, elles inspirent la réflexion sur les voyages personnels et collectifs.

Elles invitent les visiteurs à interagir, à marcher entre elles et à partager leur regard. Mêlant esthétique naturelle et moderne, les créatures telles des yétis forment un pont de connexion et d'affection, célébrant l'unité et les possibilités illimitées des horizons.

« Horizons Listeners » souhaite faire entrer la magie et les légendes dans le monde d'aujourd'hui.

Fracture — Hugo Livet

« Fracture » est une installation in situ qui prend la forme d'un tracé brisé, un éclat lumineux qui fend le paysage, évoquant une fissure tectonique ou un éclair figé dans la matière. Ce tracé est composé d'un ruban réfléchissant, fixé sur des poteaux en bois et tendu en zigzag irrégulier, épousant la topographie du site.
Visible dans son ensemble depuis la colline opposée, Fracture joue avec la perception et l'échelle du paysage. La forme arborescente du tracé, ambiguë et transversale, oscille entre évocation naturelle et intervention artificielle. La matière réfléchissante capte la lumière, apparaissant et disparaissant selon l'angle d'observation, renforçant l'effet d'illusion.
L'installation questionne deux niveaux de rupture : la fracture écologique, soulignant la difficulté à concevoir le monde comme un écosystème interconnecté, et la fracture perceptive, où le réel et l'artifice se confondent. À la fois discrète et spectaculaire, Fracture dialogue avec son environnement en y révélant des tensions sous-jacentes, tout en conservant une présence minimale et réversible.

Fleurs de lave — Alix Perrin

L'installation « Fleurs de lave » prend place sur la façade de la chapelle du Pic Saint-Pierre, au cœur des volcans d'Auvergne. Inspirée par la force tellurique de ce paysage, elle représente des fleurs emblématiques de la région façonnées à la main en plâtre et céramique. On peut citer par exemple la pensée des montagnes, la gentiane, l'épilobe ou encore la soldanelle, espèces qui prospèrent sur les sols volcaniques riches en basalte et en pouzzolane.
Disposées en une composition évoquant une coulée de lave, elles semblent émerger de la pierre et se répandre jusqu'au sol, fusionnant le minéral et le végétal.
Cette installation cherche à questionner la mémoire des lieux et la résilience du vivant. Les fleurs, à la fois fragiles et pérennes, incarnent le dialogue entre destruction et renaissance, entre l'éphémère et l'immuable.
Les dimensions de l'œuvre s'adaptent à l'architecture de la chapelle, enveloppant une partie de la façade et se prolongeant sur le sol. En jouant avec la lumière et la texture des matériaux, elle invite le spectateur à une contemplation où nature et histoire se rejoignent.

Escalier du ciel — Juan-Pablo « POPAY » de Ayguavives

« Escalier du ciel » est une invitation à l'élévation exprimée par un escalier en forme de corne qui prend appui sur le ciel et qui mène à lui. Pour les promeneurs qui s'aventurent sur le site, il fournit une invitation à s'élever pour profiter d'un point de vue féerique sur les sommets.

Meganeuridae — Tracey Shough et Adam Varley

Cette sculpture intitulée « MEGANEURIDAE », du nom d'une catégorie de libellule préhistorique géante, capture la majesté de ces insectes anciens. Composée de trois paires d'ailes gigantesques entre 2 et 3 mètres de hauteur, elle évoque la grâce et la puissance de ces créatures volantes.
Les ailes, sur une structure de métal, sont ornées avec soin de pierres volcaniques et de disques de verre récupéré coloré. Grâce à un crochet réalisé avec des fils naturels, elles créent une esthétique qui évoque l'effet délicat de dentelle des vraies ailes des libellules. Chaque détail est conçu pour capturer la lumière et créer des reflets dansants sur l'eau, formant un arc-en-ciel scintillant.
Le massif du Sancy est une zone particulièrement riche en espèces de libellules, avec une vingtaine d'espèces enregistrées. Chaque libellule, avec ses couleurs éclatantes et ses mouvements gracieux, raconte une histoire de résilience et d'harmonie dans l'écosystème. En capturant l'essence et la délicatesse de la libellule, cette sculpture vise non seulement à célébrer leur beauté mais aussi à éveiller les consciences sur la nécessité de protéger notre biodiversité et de préserver ces habitats naturels qui leur sont essentiels.

Mirage des Koractis — Matteo Tassan

« Mirage des Koractis » imagine un paysage désertique futuriste, inspiré par les bouleversements climatiques et la migration des plantes. Cette installation sculpturale explore l'adaptation des écosystèmes à travers des formes hybrides entre cactus et coraux, symbolisant la résilience du vivant face aux mutations environnementales.
L'œuvre se compose de trois sculptures en bois sculpté, évoquant des cactus aux troncs parsemés de branches. Le bois, minutieusement travaillé, imite les textures organiques des coraux, créant un dialogue entre les mondes terrestre et aquatique. Des fleurs en feutre viennent ponctuer ces structures, apportant une touche de douceur et de contraste.
Deux sculptures s'élèvent verticalement, élancées et imposantes, tandis que la troisième repose au sol, suggérant un mouvement naturel ou une transformation en cours. Réalisée en chêne et ornée de fleurs en feutre, cette installation offre une vision poétique et utopique de l'évolution des paysages et de la cohabitation des espèces dans un monde en mutation.

Couleurs nuit

Olivier Devise — 2025-01-25T19:13:54Z

Quand le soleil se couche et que la lumière s'efface, les villes se métamorphosent. Leur effervescence cède la place à une atmosphère nocturne envoûtante, où les jeux de lumière artificielle redessinent les contours de l'urbain. L'éclat des lampadaires, la lueur des néons ou les reflets des vitrines, dessinent une scène où se mêlent mystère, poésie et mouvement.

Les bâtiments prennent une autre dimension. Les immeubles illuminés s'élèvent comme des phares dans l'obscurité, tandis que les ruelles étroites et pavées se chargent d'une aura presque mystique. Les ponts scintillent, les fleuves renvoient des étoiles artificielles, et les places s'animent d'ombres fugaces. Cette transformation subtile donne à la ville une double identité : un monde éveillé dans un sommeil apparent.

C'est précisément cette dualité qui fascine. Capturer la nuit urbaine demande une attention particulière. On peut immortaliser les traînées lumineuses des véhicules, qui dessinent des veines palpitantes au cœur des rues, prendre les reflets de flaques ou de vitrines en multipliant les perspectives, ajoutant de la profondeur. Et les couleurs artificielles, souvent plus saturées, insufflent une dimension presque irréelle.

Photographier les villes la nuit, c'est aussi retranscrire leur âme. Une place bondée en journée peut paraître étrangement vide et paisible une fois la nuit venue. Chaque photo raconte une histoire, invite à imaginer la vie derrière les fenêtres éclairées ou les silhouettes floues des passants. Les villes la nuit ne sont pas seulement un décor : elles nous rappellent surtout que la beauté se cache dans l'ordinaire, et que même dans la pénombre, il suffit d'un regard attentif pour y déceler la lumière.

Horizons 2024 - “Arts-Nature” en Sancy

Olivier Devise — 2025-01-19T18:28:35Z

En faire une montagne ! — Juliette Miséréré

Au pied de ce monticule de maisons de poupée, un rougeoiement est visible la nuit, comme un départ de feu. Le gargantuesque de cette montagne invoque l'image du géant du massif.

Cette installation est un écho avec l'actualité de notre monde. Des milliers de gens abandonnent ou perdent leurs foyers à cause des conflits ou des catastrophes climatiques. La maison de poupée est une image d'un habitat idéal, voire un archétype, qui laisse une empreinte dans la mémoire des adultes, un engramme.
Par leur esthétique, choisie pour leur portée symbolique dans la mémoire collective, ces maisons nous inspirent les moments doux de notre enfance. Leurs mises en situation dans cette installation symbolisent au contraire la perte des repères, de sécurité et d'insouciance.

Green washing — Muro Atelier

Lave-auto perdu au milieu d'une forêt de hêtres, « Green Washing » est une installation artistique conçue à partir de matériaux réemployés, qui raisonne par l'absurde. Composée essentiellement de grillages assemblés à des roues de vélos, sur lesquels sont attachés des tissus réutilisés, cette proposition contraste vivement avec son environnement par sa forme et ses couleurs. Avec ses deux mètres de hauteur et son emprise de dix mètres carrés, elle invite à l'interaction des utilisateurs qui peuvent animer la hêtraie par ses rotations qui font danser les tissus colorés entre les arbres.

Le nom « Green Washing » pointe, non sans une certaine ironie, cette volonté contemporaine de se « nettoyer par la nature », souvent hypocrite et trop utilisée à des fins commerciales. L'idée est ici de changer la perception de cette pseudo-idéologie écologique tout en créant un objet aux qualités spatiales et graphiques qui s'insère dans le paysage. Alors que sa forme tend à rappeler un peu celle des arbres qui l'entourent, cette installation invite à une réflexion sur la coexistence complexe entre le naturel et l'artificiel dans notre monde moderne, et incite, par son improbabilité, à réévaluer nos comportements humains face à la nature.

L'impression et l'empreinte — Odysseas Yiannikouris

Comme un conte, cette œuvre est une médiation entre nos sens et notre environnement.

La magie d'une forêt c'est inexplicable vraiment, donc on parle de trois fées, ou d'un loup ou de la rhizosphère. Cette oeuvre veut rendre palpable et tangible la lumière des sous-bois auvergnats : la mettre sous le nez du visiteur, et qu'il la touche… En utilisant le principe de la camera obscura, l'installation produit un tableau peint avec la lumière recueillie dans le paysage. Ce tableau évolue constamment, au grès du mouvement des ombres et du ciel. C'est un geste impressionniste qui donne à voir, plus que l'image, la matière lumineuse et sensationnelle qui la compose.

Cette abstraction, cette image qui se recomposera sur les tableaux de l'installation, veut être une pédagogie du regard désinhibé : celui qui prend le temps ; celui qui s'attarde sur les variations du climat, des ombres, des plantes, et de l'humidité ; celui qui s'émerveille de l'apparition de légères variations ; celui qui, devant un moment commun et quotidien, se met à voir un peu différemment.

Drosera — Lika Guillemot

Drosera je te bois, ne me mange pas !
En ces temps de déplacements des vivants, la drosera quitte les tourbières du Sancy pour s'installer sur le suc de Teirilloux. L'installation Drosera s'inspire de l'herbe insectivore homonyme qui signifie « couvert de rosée ». Mais au lieu de capturer les insectes pour les ingérer grâce à son mucilage collant, il s'agit ici de produire des réserves d'eau précieuse et d'abreuver les différentes espèces en présence. Habituellement d'une taille de 10 à 20 cm, Drosera est ici agrandie et apparaît telle une hutte, une ruche ou un abri pour les vivants. Ses couleurs s'inspirent de la Drosera rotundifolia (espèce protégée), aux couleurs vives et brillantes. Drosera propose un refuge pour les espèces en présence et invite au regard, au toucher et à expérimenter l'espace (ombre, eau, poésie).

Blossom Gateway — Shilpa Joglekar

Une « porte » transcende son sens littéral d'entrée ou de sortie. Elle signifie une transition, un voyage symbolique entre des états ou des lieux, portant des significations profondes au-delà de son aspect physique.

Blossom Gateway est créée à l'aide de branches tressées de manière complexe, formant une voûte semblable à de la dentelle, ornée de bourgeons de grande taille. Les branches entrelacées symbolisent l'unité, la croissance et l'interconnexion, tandis que les fleurs qui s'épanouissent représentent les moments fugaces mais magnifiques de la vie.

Blossom Gateway vise à susciter un sentiment d'émerveillement en incitant à contempler l'équilibre délicat entre l'intervention humaine et la résilience de la nature.

La jeune femme et la mer — Charles Herrou

S'avançant sur l'eau, LA JEUNE FEMME ET LA MER est une représentation suspendue d'un buron auvergnat qui dévoile une légende du Massif du Sancy : « le saut de la pucelle ». Cette légende raconte l'histoire d'une jeune bergère qui, pour échapper à un seigneur insistant, sauta de la falaise dominant le lac. Elle fut miraculeusement sauvée, mais sa tentative de réitérer l'exploit pour convaincre les villageois sceptiques lui fut fatale.

La morale de cette histoire enseigne que « l'amour de la vertu l'a préservée, l'orgueil la perdra ».

LA JEUNE FEMME ET LA MER invite à réfléchir sur la morale de la légende, qui omet de condamner les agissements du seigneur. Le buron devient alors une réécriture de l'histoire, où les visiteurs découvrent la demeure de la bergère, préservée d'un destin tragique.

Éclosion Tellurique — Djulia Fernandez

Le puy de Sancy est un lieu plein d'histoires. Des millénaires auparavant, des violences ont donné naissance à l'environnement que l'on connait aujourd'hui. Au cœur de ce projet réside une mise en lumière symbolique de ces tumultes. La forme en spirale, inspirée de la structure atomique de la silice présente dans les roches volcaniques, devient le fil conducteur, exposant la complexité des phénomènes de formation des volcans.

Éclosion Tellurique est une expérience immersive sous la forme d'un parcours qui invite les visiteurs à pénétrer un univers symbole du passé. La texture du matériau utilisé, la pouzzolane, et la lumière, deviennent les vecteurs d'une immersion totale, plongeant les participants dans un monde parallèle, le point de départ de tout ce qui nous entoure aujourd'hui. Cet espace dépeint la dévastation environnementale causée par les éruptions, contrastant avec la vie prolifique actuelle du Sancy.

Écrin torique — Alexia DeFluff et Clément Doyen

Une forme géométrique simple et ronde, réconfortante et intrigante. Elle nous suggère à la fois un nid gigantesque ou encore une bouée de sauvetage...

Entièrement composée de fines branches tressées entre elles, on pense tout de suite à la vannerie et au tressage en osier, mais l'échelle de l'objet interpelle. Entourant le tronc complètement, il nous empêche tout accès à celui-ci, telle la matérialisation d'une aura protectrice et bienfaisante. En s'approchant, on réalise qu'une ouverture nous permet de rentrer à l'intérieur et de circuler tout autour de l'arbre. On est alors surpris de constater que l'ambiance y est tout autre. On se sent enveloppé, en sécurité. Si on y croise quelqu'un, la rencontre prendra une tournure différente et plus intime qu'à l'extérieur.

Cet écrin torique est une fiction, la géométrie fictive d'un objet absurde qui servirait à protéger les arbres, telle une bouée de sauvetage permettant de venir en aide à cette nature déclinante et décimée.

Street en couleur

Olivier Devise — 2024-04-23T16:08:43Z

Et voici les photos de rue en couleur

Street en noir et blanc

Olivier Devise — 2024-04-23T15:51:15Z

On trouvera ici l'ensemble de la “street photo” monochrome.

Horizons 2023 - “Arts-Nature” en Sancy

Olivier Devise — 2024-04-23T15:30:04Z

La cabane aux miroirs — Antoine Janot

Dans cette vallée traversée par les pâturages, « La cabane aux miroirs » est le reflet d'une époque, un hommage aux éleveurs et aux bâtisseurs du buron de Venzoux situé à quelques mètres de là. Utilisés par les éleveurs ou par les randonneurs pour y trouver refuge, ces édifices massifs de pierre et de lauze protégeaient ceux qui s'y abritaient. Foyers éphémères, ils accueillaient des fragments de vie comme autant de fragments de miroirs.

Si la tradition pastorale a aujourd'hui disparu, le buron de Venzoux n'en demeure pas moins la mémoire fragile d'une histoire qu'il faut protéger. Afin d'incarner ce patrimoine montagnard en danger, « La cabane aux miroirs » évoque un héritage architectural du Massif du Sancy qui fait corps avec le paysage qui le façonne. Entièrement recouvert de mosaïque de miroirs, l'édifice reflète en effet la nature alentour, en hommage aux burons qui faisaient partie intégrante d'une époque où l'homme vivait en harmonie avec la nature, une coexistence aujourd'hui menacée.

Ballet d'araignées d'eau — Didier Ferment et Bruno Tondelier

Dans ce vaste paysage du Sancy, les artistes proposent un focus sur la vie minuscule de ses étangs : celle des araignées d'eau. Toutes petites, elles participent à l'équilibre écologique en micro-mélangeant les couches superficielles de l'étang. Fascinantes à regarder, elles glissent à la surface de l'eau, patinent sans effort et dansent sans cesse en improvisant.

Dans un changement d'échelle, cette œuvre propose au public d'imaginer un ballet de ces « patineuses d'eau » : des structures auto-tendues de bambous, de cordes et de voiles flottent sur la piste d'un étang.

Chaque structure est mise en mouvement par le vent, tourne autour de son ancre, balance dans les rafales, danse à la surface de l'eau. L'ensemble se donne en spectacle.

Le vent, l'eau et le soleil donnent vie au ballet et invite le public à la rêverie.

Ruine — Riccardo Buonafede

« Ruine » est une représentation de « Mère Nature », selon l'artiste. Elle s'inspire de monumentales statues indonésiennes, parfois recouvertes de racines et de feuillages qui rendent hommage aux dieux et divinités. Comme de vieux bâtiments abandonnés par l'homme, la nature veut reprendre possession de ses espaces. L'artiste a souhaité dédicacer cette œuvre à la nature car il la considère comme une ressource indispensable à l'espèce humaine. L'installation à proximité d'une cascade fait sens. C'est l'endroit idéal pour que la représentation de « Mère Nature » émerge entre l'eau et les rochers.

Aujourd'hui, on parle beaucoup de vert et d'éco-durabilité, le choix d'utiliser des matériaux plastiques pour un hommage à « Mère Nature » est une provocation, un choix délibéré pour souligner la dégradation de l'environnement par l'homme.

Zeitgeist #4 — Virgile Abela

« ZEITGEIST#4 » est une installation sonore composée d'un orgue de harpes éoliennes hautes de 4 mètres. Cet ensemble capte les vibrations de l'air et les transforment en une musique holistique. Leurs présences érigées sur « un toit du monde » s'invitent dans le paysage comme des monolithes vibratoires, proposant au public une écoute rituelle et contemplative de la musique du vent, façonnée par la topographie du paysage.

ZEITGEIST est le nom donné à une recherche étendue (artistique, scientifique et politique) sur l'art sonore éolien initiée en 2020, de laquelle naissent des installations, des films, des performances et des innovations organologiques dans les domaines du land art, de l'art urbain, de la lutherie et de la création sonore ou numérique. Chacune de ses propositions se distingue numériquement par un #_, sous des formes transdisciplinaires uniques, sérielles ou déclinées. Elles cherchent toutes à saisir les vibrations du paysage pour les transfigurer en matière visuelle et sonore, à l'écoute de l'air du temps.

Vents d'Auvergne — Charlotte Goffette et Lucie Sahuquet

« Vents d'Auvergne » est un projet artistique et pédagogique sur le vent spécifique au Massif de Sancy.
Il est composé d'une plateforme-assise centrale qui redessine les points cardinaux pour se repérer et repérer les différents vents par leur orientation.

Sur cette plateforme, chaque vent est nommé́ avec des informations brèves. Le but est de pouvoir ressentir le vent présent à l'instant et de comprendre d'où̀ il vient. Afin de percevoir la diversité́ et les ressemblances de certains vents, autour de la plateforme, sont placés des drapeaux visuels.

Eye — Tereza Hola

Autrefois les pasteurs nomades emportaient avec eux ce qu'on appelait les « nombrils du monde » pour être connectés à la terre et à l'univers. Ils construisaient leurs habitations autour de ces objets. Ils n'étaient jamais perdus ou désorientés car ils sentaient leur centre.

Le projet « Eye » s'inspire de ces anciennes traditions. La forme et le design sont basés sur la yourte, une maison circulaire transportable typique des pasteurs. Cependant, la surface est faite de bouteilles en plastique coloré. L'effet obtenu ressemble à l'iris d'un œil avec un dôme en verre au milieu.

De nos jours, nous sommes désorientés par la surcharge d'informations et de perceptions, achetant et consommant sans réfléchir. Il est temps de revenir à notre centre. Allez, allongez-vous et regardez les étoiles.

Connectez-vous avec la terre et l'univers.

Anadrome — Camille Mansir

« Anadrome », c'est une nage aérienne, une traversée aquatique au cœur de la forêt, une immersion en mer végétale. Ce banc de poissons, fait de bambous tressés, est suspendu dans une hêtraie en bord de Dordogne.

Cette installation est collaborative et évolutive. Elle a trouvé naissance en Gironde où un public a été invité à réaliser ces sculptures grands formats. Voyant au gré des ateliers participatifs le nombre de spécimens croître, elle entame sa migration vers le Sancy.

Cette œuvre est une invitation à la rêverie qui cherche autant à surprendre qu'à mettre en exergue un enjeu écologique : la diminution du vivier de poissons migrateurs dans nos cours d'eau du fait des conditions environnementales dégradées et des obstacles trop nombreux.

Mémoire — Sylvie de Meurville

« Mémoire » telle une apparition, ange liquide ou naïade à fleur de cascade, nous rappelle qu'il n'y a aucune différence ni limite entre la nature et nous, nous sommes eau.

L'eau rentre pour environ 60% dans la composition du corps humain, et pour 80% dans celle des végétaux, c'est un des constituants principaux de la vie. En tombant des nuages pour s'infiltrer dans la roche et en ressortir sous forme de source, elle fait le lien entre le ciel et la terre. Elle a initié de nombreuses légendes et joue un rôle primordial dans la plupart des traditions. La mythologie grecque évoque deux sources, Mnémosyne et Léthé, la mémoire et l'oubli. La seconde a donné son nom à un fleuve des enfers.

« Mémoire » joue avec l'eau du Ruisseau de l'Enfer, jusqu'à se confondre avec elle. Saurons-nous éviter la léthargie de l'oubli et suivre son injonction à préserver la vie ?

Orgue aux abeilles — Sati Mougard

L'idée de créer un orgue en cire d'abeille – dont la forme évoque celui des parfumeurs – est née suite à l'observation d'orgues volcaniques en Auvergne. Ces surprenantes formations rocheuses, dont les prismes sont majoritairement hexagonaux, évoquent les alvéoles des ruches des abeilles. D'autant plus que dans leurs milieux naturels, ces insectes mellifères prennent souvent pour logis des cavités rocheuses. Par analogie, le lien entre géologie et apiculture devient étrangement naturel.

Solaire par la couleur, séductrice par l'odeur, mystique par la forme, évoquant des vestiges d'autel antique, « L'orgue aux abeilles » se veut être une expérience individuelle, multisensorielle révélant le caractère sacré et essentiel des abeilles.

« L'orgue aux abeilles » a vocation à sensibiliser au respect du vivant et à investir un rapport organique à l'œuvre d'art, avec l'idée que le matériau employé (la cire) puisse enrichir la faune (insectes) environnante ou qu'il puisse être refondu pour retourner au travail apicole.

La cire d'abeille est un matériau vivant, sensible à la chaleur, susceptible de couler. Ce caractère éphémère et fragile renvoie au réchauffement climatique, aux canicules et plus largement aux dérives des activités humaines ainsi qu'au déclin des pollinisateurs..

Dancing figures / fairies — Rumen Dimitrov

« Dancing Figures » s'inspire d'une fête traditionnelle bulgare « Enyovden », fête de la nature. Selon la tradition, c'est la nuit précédant l'Enyovden que les plantes médicinales ont le plus fort pouvoir de guérison, les femmes sortaient avant le lever du soleil pour récolter les plantes nécessaires pour l'année.

Les formes de ces femmes errantes dans la nuit ont créé chez les bulgares fables et légendes à leur sujet. « Dancing Figures » reprend cet imaginaire en créant six figures sculptées dans des troncs d'arbres, disposées dans la nature et dansantes au gré du vent.

The Midnight Riders

Olivier Devise — 2023-04-30T22:12:17Z

Concert du groupe The Midnight Riders au British Book Club of Rue Baccot vendredi 28 avril.

Le trio est composé de Christopher (chant, guitare et harmonica), François (multi instrument, ...) et Marco (guitare et chant).

Les couleurs de l'automne dans le Cantal

Olivier Devise — 2023-01-13T07:27:19Z

Quelques photos pour montrer les belles couleurs dorées de l'automne dans les Monts du Cantal, plus précisément dans la haute vallée de la Santoire, celle de la Petite Rhue et enfin, celle de l'Impradine, au pied du Peyre Arse et du col de Serre.

La Muraille de Chine

Olivier Devise — 2022-12-30T15:32:57Z

Samedi 17 septembre, à l'occasion des journées du patrimoine, la Muraille de Chine de Clermont-Ferrand ouvre une dernière fois ses portes pour permettre aux visiteurs de revenir sur les 60 ans d'histoire du bâtiment clermontois.

Fin 2023, il ne devra plus rien rester des 320 mètres de béton de la « muraille de Chine ». L'immense immeuble en cours de déconstruction est devenue une galerie d'art le temps d'un week-end. L'installation de huit étages a été réalisé par un artiste littéralement habité par le lieu, Olivier Agid

Quand je suis arrivé ici et que ce n'était pas encore cassé de partout, c'est sûr que j'ai été profondément ému (...) On sent l'âme de ce qui a vécu ici

Voici quelques photos de cette galerie éphémère.

La Noche Blanca au Tremplin

Olivier Devise — 2022-12-30T14:56:50Z

La Noche Blanca est née en 2015 de la volonté de quelques musiciens, de développer la musique caraïbéenne, Salsa latin jazz.

Une bande d'amis décide de se regrouper autour de ce beau projet pour former le « Collectif Descarga ». Quelques années de répétitions et de concerts plus tard, le groupe se rebaptise « La Noche Blanca » en intégrant un chanteur pour aiguiser son originalité et sa touche artistique.

Toujours soucieux de bousculer les codes de la musique afro-cubaine, la Noche Blanca se renouvelle à travers un répertoire original de compositions.

Elle saura combler danseurs émérites et amateurs de musiques endiablés.

La Noche Blanca, c'est une explosion musicale pleines de rebondissements et de surprises inattendues.

La Noche Blanca, c'est un répertoire orienté musique cubaine contemporaine, passant aussi par la tradition : danzon et latin jazz.

La Noche Blanca, c'est 9 musiciens faisant la joie de tous publics et danseurs grâce à ses compositions originales !